IVANO ICARDI - The “So Far Away” interview



Born in 1975, Italian guitarist IVANO ICARDI is one of Italy’s most promising talents and prolific guitarists. Besides being a master on his instrument, he is also an accomplished composer and music producer. We talked with Ivano about the recording and songwriting for his new solo-album “So Far Away”. (All images www.ivanoicardi.com) In Italian and English language.


FOR THE ITALIAN VERSION OF THE INTERVIEW, PLEASE SCROLL DOWN.


Ivano Icardi first picked up the guitar at the age of five, and participated in several national competitions for guitarists already at an early age. As a producer, he participated in several Platinum Award Albums. In 2012, he became a Digital Nations artist (Steve Vai’s famous label, a guitarist's highest accolade).

As a composer, Ivano has worked with a wide range of Italian and international TV stations, including RAI, Mediaset, La7, MTV, Sky, Magnolia, Disney, 20th Century Fox. But his solo work is what perhaps impresses most. High time for us to talk with the artist about his most recent solo-album release “So Far Away”, which has been published in October earlier this year (for our review in German language, please refer here).







Congratulations Ivano on the release of your new record “So Far Away”. Can you please tell us about the background of the title of your new record?

 



The album "So Far Away" is exactly the continuation of an artistic journey that started with “Walking with the Giants”. Each album describes a kind of musical journey and this title emphasizes how my music kept leading me further out. "So Far Away" is also the title of a DIRE STRAITS song. So I loved the idea to celebrate a guitarist who has always been the soundtrack of my life, the great MARK KNOPFLER.



Can you please tell us about how you went about composing the songs for the new album?



When I compose, I unconsciously create the soundtrack of a film, which exists only in my mind. Each song - for me - should call back mental images (almost on a subconscious level), and these images should excite us deeply. This is the beauty and power of instrumental music.

For this album, I had prepared more than forty ideas which I gradually selected according to their evocative power. The fourteen songs I chose for the album are the ones that, according to me, have something special, that makes them unique. They have an extraordinary power to call touching image to listener’s mind.

 




What about the solos? Did you “compose” them as well, or were they written in the studio on the spot, or a combination of both?

All solos of the album are completely improvised. Many come unchanged from the demos. Playing in one shot and improvising is always the best way to satisfy my need for freedom of composition. Furthermore, improvisation gives the listener a sense of "spontaneity" and "smoothness" of the music, which cannot otherwise be accomplished.

What about the recording process for the album: where did you record, and what equipment did you use?

I wrote about forty songs for this album. The writing process took about one year. In the pre-production phase I usually toss around a few ideas, some of which are so much elaborated, that they end up in the final version of the song.

After selecting the fourteen tracks which represented the "story" I wanted to "write" with this new album, I recorded all the bass and drums in one of my favorite recording studios (Imagina Production in Torino) together with the extraordinary Italian drummer Elio Rivagli and the great bassist Lorenzo Poli.

For some songs, I felt the need to have musicians and friends who could add a touch of personality and uniqueness, thanks to their great expressive capacity. I am talking about John Giblin for the track “Children” and Kenny Aronoff for the track “Los Angeles”.

The guitars have entirely been recorded in my personal studio and 90% of them with my Kemper Amp and a series of my favorite profiles. Almost all the guitars you can hear in the album are, in fact, just my trusty Stratocaster.

I wanted to preserve a uniqueness of sound. I wanted rhythm guitars and lead parts to share a similar sound, being perfectly aware that this idea goes against the standard rules of musical production because guitarist and producers usually tend to differentiate the sound of the rhythm guitars from the lead, especially using different instruments and amplifiers. But when you create your own music, this is the best part! You can do absolutely what you want and I felt this strong need to create an unique sound, which represented my personality to the greatest extent possible. For this reason, I decided to use a lot my Stratocaster, also for the rhythm parts. Nevertheless, you can hear also some Telecaster sounds, a couple of Les Pauls, and my historic Praker Fly here and there. Acoustic guitar-wise, I have used both 12 and 6 strings Martin guitars, which I have recorded in my personal studio.


Did you capture ideas at home or on tour on a mobile recording device, for instance?

Yes, absolutely. I very often find myself having an idea for a song in the most diverse of circumstances. I even dreamt about the melody of a song!

I always have a mobile device with me to record my ideas. Sometimes I make short videos to easily remember the guitar parts I have drafted, and to see exactly the same voicing on my fingerboards.

Sometimes it is difficult to recreate them, since it is not always possible to record the idea in perfect conditions. Somewhere on my phone, I still have the riffs "Into The Groove Again" (from my first album "Walking With The Giants") hummed and sketched while I was doing a jogging session!

 



Did some of those parts end up on the final product?

Some ideas take quickly shape during the demos. Often I work hard on these ideas, which can be short riff of a few measures, or proper melodies. Starting from these tiny cells I develop the whole song. An example of a "riff" composed during a demo and then included into a record is the song “Velvet”, for instance.




We would be interested to hear whether you have a favourite guitar, and why?



I am not a fanatic of instruments and equipment in general. From my point of view, they are only tools to express yourself. Obviously my Fender Stratocaster is my favorite guitar, but only because it is so personalized and it fully satisfies my performance skills in terms of timbre and playability.



When you still studied, how would your daily exercise routing look like?


 
I practice a lot, I think that any time is a good time to keep your hands and brain well-trained. Playing requires great coordination and muscle training. This means that I need to maintain well-lubricated all the gears of the complex idea-body-music chain. I have developed many exercises that allow me to optimize the muscles training of my fingers over the years.


What would you say should a young, aspiring musician focus on most? Is there a single exercise that you particularly would like to recommend (out of thousands, we assume)?



Improvise a lot! That is what is all about. Improvise on any song, literally flick to the channels on the radio, YouTube, and whenever you hear a song, just start playing together in order to fit perfectly with the "musical texture" of the song you are listening to. A good improviser will also be a good arranger and a good music producer and a musician definitely attentive to what happens around him. I hear too many players playing for themselves. Making music is first of all communicate and share emotions, first of all with the musicians who are playing with us on the stage!




We would particularly interested to hear whether you have got a recommendation on how one can become a better rhythm player.

The preparation of a musician starts, first of all, from his skills in feeling the time and playing a rhythm. 90% of the time spent in playing is comping, the remaining 10% is the part dedicated to a solo. For this reason it is important to know in detail every rhythmic aspect of the instrument. The guitar is an incredible rhythmic / harmonic instrument with great potential. The topic is extremely wide, but the most important recommendation I can give is to learn how to master the gap between the metronome’s beats, especially at very low speeds. This is the only way to become more familiar with one’s own musicality and groove.



Do you have many opportunities to play live?



In my opinion there is a fabulous music scene in Italy at the moment, with many clubs where you can play music. I am extremely happy with the huge audience I encountered during my concerts.



What’s next?

In March and April 2017 I will be on tour in Italy and I hope to start a European tour the following year.

Thanks for the interview Ivano, and good luck for your European tour!


ITALIAN VERSION




Ciao Ivano, congratulazioni per la pubblicazione del tuo nuovo album “So Far Away”. Puoi raccontarci qualcosa a proposito titolo dell’album?


L’album “So Far Away” è letteralmente la continuazione di un percorso iniziato con Walking with the giants. Ogni mio album descrive una sorta di viaggio musicale e questo titolo sottolinea quanto distante mi ha portato la mia musica. "So Far Away" è anche il titolo di una canzone dei Dire Straits, mi sembrava bellissimo celebrare così un piccolo tributo ad un chitarrista che ha sempre fatto da colonna sonora alla mia vita, il grande Mark Knopfler.


Puoi raccontarci qual è stato il tuo approccio alla composizione dei brani per questo nuovo disco?


Quando compongo, inconsapevolmente realizzo la soundtrack di un film che esiste solo nella mia testa. Ogni brano deve richiamare delle immagini mentali quasi subconscie e queste immagini devono emozionarmi nel profondo. Questa è la bellezza e il potere della musica strumentale. Per questo disco ho preparato più di una quarantina di idee che poi ho selezionato in base alla loro forza evocativa. Le 14 canzoni dell’album sono quelle che per me erano dotate di quella scintilla che le rende uniche e che riescono ad evocare anche nell’ascoltatore un’immagine che lo emozionerà e lo farà partecipare alla mia musica.

Che cosa puoi dirci degli “assolo”? Sono composti a tavolino? improvvisati? o entrambe le cose?


Tutte le parti di assolo dell’album sono completamente improvvisate. Molte arrivano invariate direttamente dai provini. Suonare di getto ed improvvisare rimane sempre il modo migliore per soddisfare la mia forte esigenza di libertà compositiva ed inoltre l’improvvisazione dona all’ascoltatore un senso di “naturalezza” e di “fluidità” della musica altrimenti irraggiungibile.




Qual è stato il processo di realizzazione dell’album? Dove hai registrato e con quale attrezzatura?


Come ho detto precedentemente, per questo album ho composto una quarantina di brani. Il processo di scrittura è durato circa un anno. Nella fase di preproduzione ho buttato giù molte idee, alcune delle quali erano estremamente definite tanto da finire poi nella versione finale del brano.

Una volta selezionati i 14 brani che meglio rappresentavano il “racconto” musicale che volevo “scrivere” con questo nuovo album, ho registrato tutte le parti di basso e batteria in uno dei miei studi di registrazione preferiti (Imagina Production di Torino) insieme all’eccezionale batterista Italiano Elio Rivagli e il grande bassista Lorenzo Poli.


Su alcuni brani sentivo l’esigenza di avere musicisti e amici che per la loro grande capacità espressiva avrebbero potuto donare un tocco di grande personalità ed unicità al brano, ad esempio come John Giblin sul brano Children o Kenny Aronoff sul Brano Los Angeles.

Per quanto riguarda le chitarre sono state tutte registrate nel mio studio personale e il 90% sono realizzate con il Kemper ed i profili dei miei amplificatori preferiti. Quasi tutte le chitarre elettriche che si sentono sull’album sono, in realtà, solo la mia fida Stratocaster. In questo disco ho voluto mantenere un'unicità di suono, volevo che ritmiche e parti lead fossero davvero accomunate da un suono simile, ben sapendo che questo va contro i normali dettami della produzione musicale perché di solito si tende a differenziare il più possibile il suono delle chitarre ritmiche da quello della lead, sopratutto usando chitarre differenti ed amplificatori differenti, ma questo è il bello di produrre la propria musica! Si può fare assolutamente come si vuole ed io avevo questa forte necessità di cercare un'unicità di suono, che mi rappresentasse il più possibile e così ho scelto di utilizzare tantissimo la mia strato anche per le ritmiche. Comunque da qualche parte si può sentire anche qualche Telecaster, un paio di Les Paul e la mia ormai storica Praker Fly. Le acustiche, sia 12 corde che 6 corde, sono Martin e sono state registrare sempre nel mio studio personale.


Come “catturi” le idee a casa o in tour, con un dispositivo mobile, ad esempio?


Mi capita di avere l’idea per un brano nei momenti più disparati, addirittura mi è capitato di sognare la melodia di un brano! Con me ho sempre un dispositivo mobile sul quale appunto idee, spesso faccio anche dei brevi video per vedere facilmente la parte di chitarra che ho appuntato, in modo da poter ricreare esattamente gli stessi voicing che a volte è difficile ricostruire da idee appuntate in condizioni non ottimali. Da qualche parte, sul mio telefono, c’è ancora il riff del brano “Into The Groove Again” (dal mio primo album “Walking With The Giants”) canticchiato e abbozzato mentre stavo facendo una sessione di jogging!


Se si alcune di queste parti finiscono sul prodotto finale?


Alcune parti delle idee appuntate al volo prendono subito forma in un provino. Sovente lavoro duramente su queste idee, che possono essere brevi riff di poche misure o melodie vere e proprie e da queste piccole cellule sviluppo il brano intero. Un chiaro esempio di “riff” composto durante un provino e poi finto sul disco lo si può ascoltare nel brano Velvet.


Ci interessa molto sapere qual è la tua chitarra preferita e perché?


Non sono un fanatico degli strumenti e della strumentazione in genere. Per me sono solamente “attrezzi” per esprimermi. Ovviamente la mia Fender Stratocaster ormai è la mia chitarra preferita, ma solo perché è talmente personalizzata che soddisfa in pieno la mia capacità espressiva a livello timbrico e di suonabilità.



Sappiamo che studi sempre molto, qual è la tua modalità di esercizio sullo strumento?


Io pratico moltissimo è vero, penso che ogni momento sia un buon momento per mantenere le mani e il cervello ben allenati. Suonare richiede grandissima coordinazione e grande allenamento muscolare, questo fa sì che io abbia bisogno di mantenere ben lubrificati tutti gli ingranaggi che compongono la complessa catena idea-corpo-musica. Per questo ho sviluppato negli anni moltissimi esercizi che mi permettono di ottimizzare al massimo l’allenamento muscolare delle mie dita.

 


Cosa potresti consigliare ad un giovane aspirante musicista? su cosa dovrebbe concentrarsi maggiormente? Esiste un singolo esercizio che ti sentiresti di raccomandare?


Improvvisare molto! Il segreto è tutto lì. Improvvisare su qualsiasi brano, fare letteralmente zapping su una radio, su YouTube e ogni volta che cambia una canzone suonarci insieme in modo da integrarsi perfettamente con il “tessuto musicale” del brano che si sta ascoltando. Un buon improvvisatore sarà anche un buon arrangiatore e un buon produttore musicale e sicuramente un musicista attento a quello che gli accade intorno. Sento troppi musicisti suonare per se stessi, fare musica è prima di tutto comunicare e condividere emozioni, in primis con i musicisti che ci circondano su un palco!

 




Siamo particolarmente interessati a ricevere un tuo consiglio su come diventare dei migliori chitarristi ritmici!


La preparazione di un musicista passa prima di tutto dalla sua capacità di sentire il tempo e di suonare una ritmica. Il 90% del tempo speso nel suonare è quello di accompagnare, il restante 10% è la parte dedicata a fare un assolo, quindi è bene conoscere approfonditamente ogni aspetto ritmico del proprio strumento. La chitarra è un incredibile strumento ritmico/armonico con un potenziale grandissimo. L’argomento sarebbe estremamente vasto, ma un consiglio che mi sento di dare più di tutti è quello di imparare a padroneggiare con grande maestria lo “spazio vuoto” che c’è tra un colpo di metronomo e l’altro, soprattutto a velocità molto basse. Solo così si prenderà confidenza con la propria musicalità ed il proprio groove.



Puoi dirci com’è la scena musicale Italiana odierna? Ci sono molte possibilità di suonare live, ad esempio?


Io penso che in questo momento in Italia ci sia una scena musicale favolosa, con molti club per proporre musica originale. Sono estremamente contento della grande partecipazione di pubblico che ho riscontrato durante i miei concerti.


Progetti nell’immediato futuro?


A marzo e aprile 2017 sarò in tour in Italia e spero di iniziare un tour europeo nell’anno seguente.


Grazie per la intervista Ivano, e buona fortuna per il tuo tour!

 

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